聯合巡演談判、單曲收入分賬、還有一些其它雜七雜八的事情，都交給了安妮和理查森去監督。
羅傑將自己關進了錄音室裡，專心對付最後的三首歌。
最後的三首歌，按照前世原版的分類來說，都屬於【情緒核】的型別。
但這是指歌曲本身。
事實上，這三首歌的原唱樂隊，僅有一支是純正的情緒核樂隊。
情緒核是硬核朋克的一個分支，完整的名稱是【情緒化硬核搖滾】，簡稱emo。
這種搖滾流派在90年代之後開始出現，在短短幾年之內，經歷了數次革新，成為新千年搖滾樂壇中極具分量的一個分支。
通常來說，情緒核大多數情況下是指歌曲本身，而不是樂隊。
很多朋克或者其它型別的搖滾樂隊，都有情緒核向的作品，但樂隊本身卻並非情緒核風格。
即使是以情緒核為主打的樂隊，通常也混雜著其它的風格。
比如《怪胎》專輯中的《in.the.end》，原唱就是後硬核&情緒核樂隊。
而在《希望》專輯中，有一首歌在羅傑前世的原作者，就是一支後朋克&情緒核樂隊new.。
new.並不是一支大牌樂隊。
但在朋克搖滾逐漸沒落的2000年之後，除了少數幾支流行風更重的大牌之外，new.算是第二梯隊的佼佼者。
大約和paramore和my.處於同一階層。
儘管這幾支樂隊在太平洋對岸的知名度都不算太高，但實際上在北美很受歌迷追捧。
new.最初成立的時候，根本沒有錢做專輯，只能在東海岸的各種酒吧等場合做演出。
直到一年之後，樂隊才攢夠錢製作了第一張ep唱片，但因為備貨量不足，僅僅兩週的時間就賣斷貨了。
1999年，樂隊發行了第一張正式的專輯，並因此進入主流唱片公司的視線，與mca簽約。
2000年，在唱片公司的協調下，new.跟隨當時的教父級朋克樂隊blink-182，開始在北美進行大範圍的巡迴演出。
一同演出的，還有許多其它當時和new.處於同一階層的樂隊。
但僅僅只有new.在巡演中打響了名氣，和blink-182一起成為了巡演的雙主角。
不過由於能力的天花板限制，new.只能算是一支中規中矩的朋克樂隊，缺乏所謂的“創造性”。
因此樂隊一直不溫不火，穩定在二線，提不上去也掉不下來。
這個樂隊還有一個特點，喜歡時長偏長的歌。
大部分朋克樂隊的歌，普遍都在三分鐘以內，超過三分鐘的歌比例不會超過一半。
而對new.來說，三分鐘只是起步，四分鐘以上的歌很常見，五分鐘以上的也不少。
在羅傑選入《希望》專輯的單曲《boulders》，時長就是整張專輯裡最長的，比《》還要長，達到了五分半。
不過相較於《》音樂劇式的篇章來說，《boulders》只是簡單的重複。
變化當然是有的，但僅僅只是在音階力度上做出變化，實際上整首歌的結構根本沒有半點波動。
無意義的重複，對於專輯的整體感官而言，絕對是嚴重的破壞。
《boulders》重複的篇章，聽一遍，感覺很驚豔，聽兩遍，會覺得還不錯。
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但再重複下去，帶來的就只有反效果。
因此羅傑毫不猶豫地砍掉了近一半的內容，將單曲的時長控制在三分鐘左右。
儘管不斷的重複，本就是情緒核的一種表達方式。
但這種方式，或許在一張純粹的情緒核專輯裡是好事，但在《希望》專輯裡，卻只會帶來負面的效果。
…………
在三首歌裡，除了《boulders》以外，還有一首同樣是“柔”和“慢”的歌，不過卻僅僅只是唱法上柔。
而在樂器的演奏上，力度雖然遠遠比不上重金屬，但在朋克之中，卻也算不上是柔和的範疇。
當然也不算很重，大約中等偏重一點。
這首歌叫《breathe》。
從曲風上來講，《breathe》可以打上很多標籤。
情緒核、後搖滾、電子搖滾、古典流行樂……
等等。
the.，這支來自紐約的樂隊成立於2004年，並不是一支純正的搖滾樂隊。
或者說，樂隊喜歡在搖滾之外，更多的嘗試一些其它的東西。
比如電子樂，古典樂，流行樂等等。
並將這些東西融入搖滾之中。
對於這一類樂隊，有一個泛指的稱呼，叫做“後搖滾”樂隊。
又稱為“實驗搖滾”，一個“實驗”，就足以說明一切問題了。
這是一種嘗試性的革新，並沒有形成一種完善的、行之有效的體系。
絕大多數的後搖滾樂隊，在融合上做得都不怎麼樣，搞出來的作品簡直是一團糟。
既不搖滾，也不像流行，或者是其它什麼亂七八糟的東西。
the.樂隊也經常幹出這種事。
不過他們比其它後搖滾樂隊更好的一點在於，這支樂隊經常會拿出一些在融合上做得很好的單曲。
“經常”兩字要畫重點，考試會考。
成功的、出色的融合作品較少，也是後搖滾很難真正大火起來的原因。
融合，在搖滾之中很常見。
但大多是兩三種風格的融合。
而後搖滾樂隊想要做的，卻是將所有，或者至少是絕大多數音樂流派融合到一起。
簡而言之，就是野心太大，駕馭不足。
但若是能夠做好融合，後搖滾之中的精品單曲，質量卻是驚人的出色。
比如《breathe》，就是一支這樣的單曲。
搖滾，電子音，管弦樂器的完美融合，讓它有了一種特殊的魅力。
無論是喜歡搖滾，喜歡古典，還是喜歡流行的人，都會愛上這一首歌。
對於這樣的一首歌來說，任何修改和點綴都是多餘。
全面照搬原版，就是最好的做法。
…………
最後一首歌，勉強也可以歸入情緒核的範疇之中。
當然，這是指單曲，而不是原作的樂隊。
但從風格上來講，這首歌和樂隊本身一樣，是以後垃圾搖滾和硬搖滾融合的風格為主。
融合，也是數字唱片時代以後的新搖滾樂隊中，最常見的情況。
單純一種風格的搖滾，在這個年代已經不吃香了。
事實上，這種情況在80年代末就有所體現，在90年代就已經很普遍，而到了數字唱片時代，更是被放大到了極致。
在數字唱片時代，真正獲得成功的搖滾樂隊，幾乎都至少融合了兩種以上的風格。
比如sum.41的朋克&金屬核。
比如my.的後垃圾搖滾&硬搖滾。
這支樂隊來自加拿大，某種程度上來說，算是依靠“裙帶關係”起家的。
樂隊的主唱兼創始人馬特-沃爾斯特是另一支加拿大樂隊貝斯手的弟弟。
憑藉著這樣的關係，在等一系列知名樂隊的巡演中，my.作為嘉賓，在其它大牌樂隊的演出之前負責熱場演出。
依靠著遠遠比其他人高得多的起點，my.很快吸引到了北美許多主流唱片公司的注意。
最終，同樣是因為裙帶關係的緣故，my.與【五分錢】樂隊成立的604.records唱片公司簽約。
很多人因為過分藉助裙帶關係這一點，對這支樂隊進行吐槽。
但事實上，這一點沒什麼值得針對的，有關係不用的人才是白痴。
在行業內的關係，只是讓他們擁有了一個更高的起點。
但穩定住“江湖地位”，憑藉的卻是實力。
沒有足夠的實力，光靠關係，在樂壇這個領域根本混不開。
比如說弗蘭妮-柯本。
這位女歌手的父親是大名鼎鼎的科特-柯本，母親是the.hole樂隊的主唱柯特妮-洛芙，教父是r.e.m樂隊的主唱邁克爾-斯普泰，教母是好萊塢明星德魯-巴里摩爾。
按理說，擁有著這樣的關係，起點遠遠超出百分之九十九以上的樂壇和好萊塢明星。
然而弗蘭妮-柯本自以歌手身份出道以來，壓根沒有給歌迷留下任何印象，根本沒有任何拿得出手的作品。
或者說，唯一的印象是：啊，那個傢伙我知道，柯本的女兒，比她老爹差遠了。
說起弗蘭妮-柯本，my.樂隊的主唱馬特-沃爾斯特是科特-柯本的崇拜者，樂隊的後垃圾搖滾風格，就是受到了nirvana的影響。
在數字唱片時代的樂隊中，my.算是比較成功的一支。
儘管他們在太平洋對岸的知名度也不高。
鬼知道這是為什麼，在網際網路如此發達的年代，許多在歐美樂壇獲得巨大成功的歌手和樂隊，在太平洋對岸都沒什麼名氣。
大概要歸結為某一堵牆的影響？
樂隊最活躍的時間，是從2005年到2013年，隨後便不知道什麼原因而沉寂了下去。
在那段時間裡，北美現代搖滾榜和公告牌榜單上，my.樂隊都是常客，時不時就會殺入前幾名，甚至是第一。
這支樂隊的作品，由於融合了硬搖滾的風格，大多也以熱血、激情而著稱，頗有邦-喬維的風範。
《希望》專輯中的最後一首歌，就是一首這樣的作品。
《》。
這首單曲曾經登上過北美現代搖滾榜的前十，在公告牌單曲榜上也進入過前三十的位置。
雖然比起《》和《》這樣雙榜第一的冠軍單曲來要差了許多，但也是一首精品。
而且更符合《希望》專輯的要求。
不過最主要的原因，還是因為羅傑捨不得將版權拿出來和二十世紀娛樂分享，因此選了一首相對來說“不值錢”一點的。
在《希望》專輯的十首歌裡，《》是最“熱血、激情”的一首。
但本質上，卻依然是一首黑暗風格的單曲。
當然，這是指羅傑改編以後的版本。
原版的《》是一首充滿了正能量的搖滾，寓意在絕境之中也要堅持奮鬥和抗爭。
但因為《希望》專輯整體主題的緣故，羅傑打算將這首歌改成充滿絕望的黑暗風格。
要做到這一點並不困難。
編曲、唱法都不需要做出任何調整。
只需要在後期制作過程中，讓聲音的環境顯得更空曠，像是在無邊的荒野裡，就足夠了。
再配上《希望》專輯的整體主題，一首充滿正能量的歌，瞬間就會變得負能量滿滿。
對於羅傑來說，這也是一個很有趣的“小遊戲”。